MILANO:SETTE SGUARDI SULL’ABITARE
Dopo oltre 10 anni, il Ministero per i Beni e le Attività Culturali e il Turismo avvia un progetto di committenza pubblica per riflettere sul paesaggio contemporaneo e affida al Museo di Fotografia Contemporanea l’ideazione e la promozione del bando Abitare. L’esito è presentato nella mostra “Abitanti. Sette sguardi sull’Italia di oggi”, fino al 9 settembre alla Triennale di Milano, nuovo progetto presentato dal Museo di Fotografia Contemporanea e dalla Triennale presso il Palazzo dell’Arte. Una riflessione collettiva sul tema dell’abitare contemporaneo realizzata da fotografi under 35 che raccoglie le riflessioni di sette progetti realizzati su tutto il territorio italiano da nove artisti: Dario Bosio, Saverio Cantoni e Viola Castellano, Francesca Cirilli, Gloria Guglielmo e Marco Passaro, Rachele Maistrello, Tommaso Mori e Flavio Moriniello. Ciò che si chiedeva ai giovani fotografi era di interpretare e visualizzare le nuove modalità di vivere i luoghi nella tensione che si sviluppa tra pubblico e privato, indagando la relazione tra interni ed esterni, reale e virtuale, individuale e collettivo. “Gli artisti hanno operato animati da una forte tensione civile e sociale, spesso attraverso un profondo radicamento nei luoghi – racconta il curatore Matteo Balduzzi – . Con linguaggi e pratiche estremamente divergenti, che spaziano dalla fotografia documentaria all’immagine allestita, dall’attivismo proprio dell’arte pubblica all’applicazione di algoritmi, i progetti affrontano tematiche di grande attualità quali la condivisione abitativa, voluta o forzata, per ragioni di reddito o di mutua assistenza, la condizione di fragilità che caratterizza tanto le aree interne quanto situazioni di occupazione o autogestione, le interazioni tra tecnologia, immagine e corpo”. I progetti vincitori sono stati selezionati tra le oltre trecento candidature arrivate da tutta Italia. (PO / red)
COMIO: FIORI DI VETRO
Accanto a pittura e fotografia, anche l’arte millenaria del vetro ha spesso concentrato il suo interesse sul tema dei fiori. In particolare i maestri vetrai di Murano, che lungo tutto il corso del Novecento hanno prodotto opere di fascino straordinario ispirandosi alle forme dei fiori e delle piante, declinandole secondo gli stilemi del Liberty, dell’Art Déco e poi con una vena sperimentale attenta alle esperienze delle avanguardie artistiche. Ne è una testimonianza la collezione di Enrico Bersellini, avviata negli anni Settanta del Novecento, raccoglie un’importante campionatura della produzione dei principali artefici muranesi del XX secolo, a cui affianca gli esiti delle ricerche più recenti nel campo dell’arte del vetro, costituendo un significativo luogo di confronto tra forme della tradizione e sperimentazioni dei nostri giorni. La collezione – protagonista dell’esposizione “Fiori di Vetro dalla collezione Bersellini”, fino al 9 settembre a Villa Carlotta, nella comasca Tremezzina. in un percorso che vuole mettere in relazione i fiori del parco botanico con l’arte del vetro – annovera oltre 250 opere tra cui alcuni importanti lavori di Ercole Barovier, Napoleone Martinuzzi, Toni Zuccheri e tanti altri che documentando il variegato repertorio tecnico utilizzato nell’arte vetraria muranese, dal vetro soffiato, al vetro massello e alla lavorazione a lume. (red)
NAPOLI: “LA SCAPILIATA” DI LEONARDO
Alle Gallerie d’Italia-Palazzo Zevallos Stigliano, sede museale di Intesa Sanpaolo a Napoli, fino al 2 settembre è esposta la celebre opera di Leonardo da Vinci “La Scapiliata”, proveniente dal Complesso Monumentale della Pilotta di Parma. L’esposizione, curata da Marco Carminati, anticipa le celebrazioni per i 500 anni dalla morte di Leonardo previste per il prossimo anno. L’arrivo dell’opera di Leonardo da Vinci a Napoli segna la settima edizione della rassegna “L’Ospite illustre” che propone, nelle sedi espositive di Intesa Sanpaolo – le Gallerie d’Italia e il 36mo piano del grattacielo di Torino – un’opera di rilievo in prestito temporaneo da prestigiosi musei italiani e stranieri. Michele Coppola, direttore Arte, Cultura e Beni Storici di Intesa Sanpaolo, afferma: “Valorizzare e promuovere la conoscenza del patrimonio artistico nazionale è una delle ragioni che dà vita al Progetto Cultura della nostra Banca e L’Ospite illustre ne è una testimonianza. Dopo Antonello da Messina, Picasso, Caravaggio, presentati alle Gallerie d’Italia a Napoli grazie al dialogo con importanti musei italiani e internazionali, ospitiamo oggi uno straordinario dipinto di Leonardo dalla Galleria Nazionale di Parma. Ma accanto alla celebrazione di grandi capolavori, non vogliamo dimenticare le originali iniziative espositive di Palazzo Zevallos Stigliano dedicate a studiare, riscoprire e raccontare artisti e opere forse meno noti ma significativi per l’identità e la storia dell’arte italiana”. Il celebre dipinto di Leonardo, La testa di donna, detta La Scapiliata, è una tavoletta in legno di 27 centimetri per 21, dipinta con terra d’ombra, ambra inverdita e biacca, nota sin dal 1627 per la citazione, negli inventari di Federico Gonzaga, di “un quadro dipintovi la testa di una donna scapigliata bozzata…, opera di Leonardo da Vinci”. La sua datazione è tutt’ora incerta e oggetto di studio, così come la sua effettiva natura (dipinto non finito, abbozzo, studio preparatorio), la provenienza e la sua destinazione. A distanza di oltre trent’anni dalla grande mostra “Leonardo e il leonardismo a Napoli e a Roma”, tenutasi al Museo di Capodimonte, il ritorno del dipinto in città consente di riprendere i temi affrontati in quella circostanza, aggiornandoli con i più recenti interventi critici, come il cofronto con il volto di sant’Orsola raffigurata nel Martirio di Caravaggio – capolavoro delle collezioni Intesa Sanpaolo ospitato alle Gallerie di Napoli –, consentendo di approfondire le tecniche e il linguaggio di questi due maestri dell’arte italiana. Accanto alla Scapiliata di Leonardo da Vinci è inoltre esposta una riproduzione digitale di Salomè con la testa del Battista di Bernardino Luini, datata al 1525 circa e conservata agli Uffizi dal 1793. La sorprendente somiglianza tra la Testa di donna di Leonardo e la protagonista femminile del dipinto olio su tavola del pittore lombardo contribuisce a collocare a Milano il prototipo leonardesco almeno fino al 1530, sottolineando la fortissima influenza che il maestro toscano continuava a esercitare sui più giovani artisti che si erano formati o perfezionati alla sua bottega. (red)
MILANO: BANNER CONTRO IL CAMBIAMENTO CLIMATICO
Prosegue fino al 14 settembre la mostra personale di Simone Monsi “New Blabs on Clouds and Planes”, presso Spazio Leonardo, nuovo contenitore espositivo di Leonardo Assicurazioni – Generali Milano Liberazione. L’artista ha realizzato sulla grande parete della hall di Spazio Leonardo un nuovo ciclo di “Transparent Word Banner”, lievi strutture in plexiglass colorato che riportano frasi tratte dal dibattito mediatico sulla modificazione climatica. Completano l’esposizione alcune sculture della serie “Capitolo Finale”, soffici totem-mano di stoffa tappezzate da immagini di spettacolari tramonti, collezionate seguendo l’hashtag #sunsetporn, che Monsi ha esposto nel 2016 alla Goldsmiths University di Londra per la mostra conclusiva di un suo master. (red)
MILANO: BRASILE, IL COLTELLO NELLA CARNE Con la mostra “Brasile. Il coltello nella carne” il PAC Padiglione d’Arte Contemporanea di Milano, prosegue l’esplorazione dei continenti sulle tracce dell’arte contemporanea, proponendo una selezione di 30 artisti brasiliani di diverse generazioni, attivi dagli anni Settanta in poi. Il titolo della mostra – ‘Il coltello nella carne’ (Navalha na Carne) – è quello di un’opera teatrale dello scrittore brasiliano Plínio Marcos, particolarmente attivo durante gli anni della dittatura militare brasiliana. La mostra – promossa dal Comune e prodotta dal PAC con Silvana Editoriale – si dichiara così, sin dal titolo, in conflitto. Attraverso installazioni, fotografie, video e performance molti dei 30 artisti brasiliani invitati al PAC fanno riferimento a questo conflitto, che non ha un inizio e ancora meno una fine, è difficilmente riassumibile in parole e si traduce raramente in scontri fisici o battaglie. Non è un conflitto bellico, bensì sociale e, soprattutto, simbolico. Riunendo una serie di lavori realizzati in Brasile negli ultimi quarant’anni, la mostra rompe convenzioni e luoghi comuni senza pretendere di costituire un ritratto del paese o della sua scena artistica, ma piuttosto riflettendo sulla loro conflittualità: gli scontri, le violenze e i soprusi politici, sociali, razziali, ecologici e culturali. (27 lug – red)